O MÁGICO DE OZ - DIAS 11 E 12 DE FEVEREIRO NO TEATRO ARACY BALABANIAN

Olá Pessoal!!!

Dias 11 e 12 de fevereiro, as 17h no Teatro Aracy Balabanian, em Campo Grande, haverão mais duas apresentações do espetáculo "O MÁGICO DE OZ", do Prisma Grupo de Teatro.

O espetáculo, que teve sua pré-estréia no dia 22 de novembro de 2011 conseguiu a proeza de lotar o teatro Aracy Balabanian em plena terça-feira, caso até então inédito no teatro campograndense. O Mágico de Oz participou em dezembro do mesmo ano do XXX Festival Sul-mato-grossense de Teatro organizado pela Fesmat, a Federação de Teatro de Mato Grosso do Sul, onde conquistou 4 prêmios, sendo eles: Melhor sonoplastia para Noêmyah Rodriguez, melhor iluminação para Mário Filho, melhor maquiagem para Noêmyah Rodriguez e melhor atriz coadjuvante para Alessandra Rodrigues. Além dos prêmios, o espetáculo teve outras 6 indicações no mesmo festival, sendo: Melhor figurino para Alex Guedes, melhor dramaturgia para Mário Filho e Noêmyah Rodriguez, melhor ator coadjuvante para Jefley Maurício e Marcelo Benitez, melhor atriz coadjuvante para Nathália Schiavinato, melhor direção para Noêmyah Rodriguez e melhor espetáculo para o grupo.

Em sua temporada 2012, o grupo fez uma participação no Festival de Teatro Infantil organizado pelo Grupo Unicórnio no dia 4 de fevereiro, as 17h no Teatro Aracy Balabanian, ocasião em que 173 espectadores puderam se levar pela magia do mundo de Oz. Ao final da apresentação, os atores foram aplaudidos em pé pela brilhante sua apresentação.

A cada apresentação a magia tem parecido se renovar e o espetáculo sempre ganha cada vez mais em emoção, conquistando de forma definitiva um espaço na cena história do teatro sul-mato-grossense.

Não deixe de prestigiar mais essa apresentação, se você já assistiu, venha novamente se encantar com Dorothy e seus amigos. Venha e traga seus familiares e amigos e se deixe levar pela magia de Oz!

SINOPSE:

Dorothy Gale, vive na fazenda dos seus tios Henry e Em. Durante uma tempestade, a casa da fazenda onde ela mora é arrancada do chão por um ciclone e é atirada em um lugar que ela nunca viu.

Apreensiva, ela abre a porta da casa e seus olhos se deslumbram com um lugar maravilhoso. Dorothy tem certeza que não está mais no Kansas, principalmente quando, através de uma bolha colorida, surge Glinda, a Bruxa do Norte.

Dorothy conta para ela que quer ir para sua casa. Glinda não pode ajudá-la, só o grande e Todo-Poderoso Mágico de Oz. Glinda diz que ele tem este poder e Dorothy busca a ajuda dele na Cidade de Esmeraldas.

Glinda aponta para ela a Estrada de Tijolos Amarelos e lhe diz para seguir este caminho para chegar na Cidade de Esmeraldas.

No caminho conhece um espantalho que busca um cérebro, um homem de lata atrás de um coração e um leão covarde que quer obter coragem. O quarteto fica mais do que determinado em achar o mágico de Oz.

Será que o grande e poderoso Mágico de Oz irá ajudá-los??! Venha junto com Dorothy e seus amigos desvendar os mistérios do fantástico mundo de Oz!

FICHA TÉCNICA:

Direção Geral: NOÊMYAH RODRIGUEZ
Direção de Produção: MÁRIO FILHO
Preparação de Elenco: EWERTON GOULART
Cenário e Figurino: ALEX GUEDES
Adaptação do Texto: MÁRIO FILHO e NOÊMYAH RODRIGUEZ
Iluminação: MÁRIO FILHO
Sonoplastia: NOÊMYAH RODRIGUEZ

ELENCO (Ordem Alfabética):

AGENOR AGE: Espantalho
ALESSANDRA RODRIGUES: Genilda, a Bruxa do Oeste
DIOGO ADRIANI: Espantalho
EWERTON GOULART: Árvore 2
JEFLEY MAURÍCIO: Leão Covarde
MARCELO BENITEZ: Homem de Lata
NATÁLIA SCHIAVINATO: Glinda, a Bruxa do Norte
REGINA MERGULHÃO: Dorothy
WAGNER JEAN: Árvore 1 e Mágico de Oz

MÁGICO DE OZ EM FASE FINAL DE PRODUÇÃO

Encontra-se em fase final de produção o espetáculo infanto-juvenil O MÁGICO DE OZ, produzido pelo PRISMA GRUPO DE TEATRO.

A estréia está prevista para o mês de novembro e o clima e entusiasmo entre todos os participantes são visíveis no final de cada dia de ensaio.

Em breve, nos teatros sul-matogrossenses vocês terão a oportunidade de ver a história e aventuras de Dorothy, O Espantalho, Homem de Lata e o Leão na terra da estrada dos tijolos amarelos.

Aproveitamos para agradecer a todo o elenco e equipe pelo empenho e dedicação, em especial a diretora da peça, NOÊMYAH RODRIGUES.

O elenco será composto principalmente pelos atores e atrizes: AGENOR AGE, ALESSANDRA RODRIGUES, DIOGO ADRIANI, JEFLEY MAURÍCIO, MARCELO BENITES, MÁRIO LOPES, NATÁLIA TOMASSINI, REGINA MERGULHÃO e WAGNER JEAN.

Então, aguardem e nos vemos na estréia!

PROGRAMAÇÃO FESTCAMP 2011

Clique nas imagens abaixo para ampliá-las.

ABERTAS INSCRIÇÕES PARA O FESTCAMP 2011

De 15 a 23 de Outubro de 2011

• Clique Aqui e baixe o Edital FESTCAMP-MS 2011

• Clique Aqui e baixe a Ficha de Inscrição do FESTCAMP-MS 2011

O FESTCAMP-MS- Festival Nacional de Teatro de Campo Grande chega em sua 5ª Edição com Patrocínio do Governo do Estado de MS por intermédio do FIC- Fundo de investimentos Culturais, Caixa Econômica Federal pelo Projeto Caixa Cultural e Governo Federal/Funarte por intermédio do Prêmio Miryan Muniz de Apoio a Festivais de Artes Cênicas 2010 e com apoio da UFMS- Universidade Federal de MS e Fundação de Cultura de MS.

É um festival que busca a integração, mostras e discussões de assuntos que visem a valorização e fomento de politicas publicas para as artes cênicas em MS e no Brasil. É realizado anualmente em Campo Grande, Mato Grosso do Sul. Proporciona apresentação de peças teatrais, regionais e nacionais,valorizando o artista e formando platéia, proporcionando ao público o contato com espetáculos, palestras, oficinas e debates.

SER ATOR É MAIS DO QUE DECORAR UM TEXTO!

Ser ator não é somente decorar um texto e dizê-lo. Isso qualquer pessoa é capaz de fazer.

Ser ator é se aprofundar em estudos, dedicar-se, atualizar-se.

Se tornar invisível aos olhos dos espectadores e ceder lugar ao personagem.

Para tudo isso é necessário estudo, preparação. Sem esse empenho você será apenas um decorador de textos e proclamador de palavras sem sentido.

Seguem duas dicas de livros. Assim como vocês, eu também estou estudando.

Boa Leitura.

O Ator Invisível – Yoshi Oida

Yoshi Oida – Ator, diretor e professor integrou desde 1968 a companhia teatral de Peter Brook, em Paris.

Nesse livro que é um manual prático da arte de atuar, Yoshi demonstra a amplitude e profundidade de suas experiências. 


Mostra técnicas do Oriente e Ocidente, do tradicional e do experimental, do texto escrito e do improvisado, do cinema e do teatro, do corpo e da voz.

Cada parte técnica é exemplificada por pequenas e delicadas historias. É extraordinário o alcance de habilidades que o torna único e especialmente qualificado para falar sobre o oficio do ator.

“O ator jamais deve ser visto e sim a sua interpretação, e esta deve ser de supremo e estudado controle, para definir e expor em profundidade.”, diz Yoshi.

Como diz Peter Brook sobre o livro “Um Ator Invisível”: “Yoshi Oida mostra como os segredos e os mistérios da interpretação são inseparáveis de uma ciência precisa, concreta e detalhada, aprendida no calor da experiência. As lições vitais que ele nos passa são apresentadas de maneira tão luminosa e graciosa que as dificuldades, freqüentemente, tornam-se invisíveis.”

A Porta Aberta – Peter Brook

Usando de suas próprias experiências o diretor Peter Brook examina em três ensaios a questão “O que é Teatro?”

Abordando que Teatro não é como um acontecimento cultural, mas sim como um acontecimento de cultura.

Mesmo que em algumas civilizações, como o Ocidente, o Teatro seja considerado um divertimento, outras culturas o observam como algo muito íntimo.

Brook exibe, como diretor, como conseguir corresponder às necessidades emocionais dos espectadores.

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O QUE É SER ATOR - Por Paulo Autran

Trechos de entrevistas para diversos veículos reunidas no site do Instituto Moreira Salles:

Intuição – “Pode acontecer, numa construção de um personagem, aquele dia abençoado de intuição. E tem outras vezes em que esse dia não chega. Vem a temporada toda, a temporada acaba, e você diz: ‘Não teve aquele dia’. Aí é triste. Você faz porque o texto te leva, o teu personagem te leva, mas você sabe que não atingiu, digamos, o fundo, não foi lá. Acontece. O mais engraçado é que a sua opinião nem sempre coincide com a dos outros.”

Verdade – “Um dos melhores exercícios que eu acho em teatro para desenvolver a imaginação do ator é mandar ele dizer ‘Eu quero tomar café’ de n maneiras distintas, porque com isso essa simples frase pode ter muitos significados. Ele só tem que dizer isso, ‘Eu quero tomar café’, então tem que falar essas palavras como se estivesse dizendo ‘eu te amo’, ou ‘eu te odeio’, ou ‘minha mãe acabou de morrer’, ou ‘ainda vou te matar’, e assim por diante. O importante na interpretação é o que o personagem tem em mente ao dizer as frases do texto. Isso é que faz uma interpretação ser verdadeira ou não. Quando o ator decora seu texto feito um papagaio e solta simplesmente as palavras, ele não vai causar impressão alguma.”

Leitura e interpretação – “Não há melhor exercício para um ator do que interpretar um texto escrito só para ser lido. É outro tipo de esforço. Você tem a questão do ritmo, de como transmiti-lo ao vivo para uma plateia. É fantástico. A valorização da palavra é diferente da de um diálogo. O diálogo é escrito para ser dito, e aquele texto, não.”

Estrelas – “Não adianta uma atriz pensar assim: ‘Eu vou ser uma estrela’. O público é quem faz as estrelas. De repente, em um espetáculo de principiantes, você se surpreende com aquela menina no palco que nem é tão bonita assim, mas que tem um negócio que você não tira os olhos dela. Por quê? Porque ela tem carisma. Ela um dia vai ser estrela. Então, são seres que, parece, a natureza botou a mão em cima e abençoou. É a mesma coisa na pintura, na arquitetura: tem gente que tem dom. Teatro é arte, então, não é todo mundo que pode ser artista. Muitas pessoas aprendem, muitas pessoas fazem direitinho e não chegam lá.”

Autobiografia – “Foram pouquíssimos os personagens que eu fiz com os quais eu tinha algum ponto de contato. Um deles, em Depois da queda, de Arthur Miller, tinha muitos pontos de contato comigo, com o que eu estava pensando naquela ocasião, com o que eu achava da guerra, da violência, do mal que cada um trás dentro de si, e que nós somos obrigados a conviver com o mal dos outros e com o nosso mal também. Tudo isso batia naquele tempo, embora a vida do personagem fosse totalmente diferente da minha. Mas eu nunca joguei, conscientemente, a minha infância na criação de um personagem – devo fazer isso inconscientemente.”

Permanência – “Esse fato de o teatro ser efêmero, para mim, é um dos seus encantos. Se eu acreditasse, por exemplo, na vida eterna, talvez me preocupasse em não ficar tanto como vão ficar os autores, quanto vão ficar os filmes, quanto vão ficar os programas de televisão, se é que eles vão poder ser guardados por todos os séculos. Mas para mim não é nenhum problema não ser eterno.  E não me interessa a mínima, depois que eu acabe, o que é que vai acontecer.”

ESTRÉIA TEATRAL - O ALIENISTA (ENTRADA GRÁTIS!!!)

A Cia de Teatro Nu Escuro, com sede em Goiânia, investe em um novo desafio e transpõe da literatura para o palco o conto “O Alienista” de Machado de Assis. Nos dias 01 e 02 de Abril apresenta no Glauce Rocha, às 20h. A Entrada é Gratuita.

A proposta de direção desta montagem foi de utilizar o texto do Machado de Assis como um provocador do trabalho de criação dos atores, buscando produzir um caleidoscópio de informações visuais e verbais em um ritmo inquieto e instigante, onde a qualquer momento o público possa ser surpreendido por estas provocações

Informações:

(67) 9207-0310 / 9215-2099 / 3342-0828

Renata Bastos (Assessoria Local) / Anderson Lima (Produtor Local)

DIA MUNDIAL DO TEATRO - 27 DE MARÇO

Teatro: espaço de realizações. Realizar: perceber. Conceber a idéia de que há algo a mais dentro de um mesmo espaço, de um ambiente, seja ele, físico, mental ou sentimental.
Lugar para percepção de idéias, de sentimentos, de fisicalidades.
Lugar para a recepção de idéias, de sentimentos, de fisicalidades.
Espaço para o simples jogo dialético do aprender e do ensinar. Espaço para viver.
Não há mais lugares para viver. Não há mais lugares para sentir.
O ser humano não sabe mais ser, humano.
Todo olhar se desvia; toda mão se fecha. Os corpos não mais se tocam!
Há uma afastamento, um distanciamento, um alienamento das idéias, dos sentimentos, das fisicalidades.
Sinto uma necessidade, quase sonífera, de deixar o movimento embriagante de viver passar através do tempo.
O sonho, muitas vezes, nos transporta a lugares onde não existem dúvidas e, a embriaguez, constrói idéias e sentimentos que se transportam da realidade física para o plano dos sonhos.
O encontro entre o sonho e real é o lugar para onde viajam as imaginações, o sentir, o ser.
Costumou-se chamar este lugar de palco da vida; local das representações; espaço onde o homem encontra o homem para ser homem; antro de orgias. Abreviou-se: Teatro.
Neste pequeno recinto à céu aberto, ou não; perambulante, ou não; com ou sem cenário, figurino ou música, há a evasão do tempo. Deixa-se de lado uma das maiores “conquistas” do homem: a construção do tempo. O tempo, em si, não existe. O homem o criou para poder se domar, para regrar o espaço, para tornar-se presa de si e não poder mais viver o mundo pelo mundo, mas, pelo tempo.
Nesta pequena agora, atravessamos o espaço físico experimentando sensações, inventando formas de comunicação acientíficas e descobrindo, cada qual ao seu jeito, a humanidade a tanto perdida pelas civilizações.
Esqueçamos por um breve momento a teoria e a ciência, os teóricos e os cientistas, a positividade da vida moderna, e olhemos para o chão onde pisa o ator. Sintamos o cheiro deste lugar. Fechemos os olhos por um pequeno instante e vejamos aonde nos leva o prazer e o êxtase de pisar este solo sacro para os antigos e cultuado pelos novos.
Teatro: racionalidade e sentimento num mesmo espaço; controle e descontrole de emoções e abstração; psiquè e corpo em perfeita harmonia. Simples brincadeira. Lúdico e cúmplice; amante e amado; fogo e água; a demanda e a espera; o Diabo e cruz. Ator e platéia.
Daqui, cruzo olhar com inúmeros pares de sonhos e vejo a grande necessidade que brota de dentro do indivíduo de sentir melhor o mundo a sua volta, de não ter vergonha, de romper valores e limites, de não se limitar à vida.
Eu aprendi que o Teatro é a melhor representação da não-animalidade urbana do homem, ou seja, da sua animalidade natural, placentária, desprovida de quaisquer valores morais e éticos limítrofes que impeçam o seu desenvolvimento natural, enquanto tal.
Estar no palco é dar vida a crianças adormecidas.
Criança não vê em preto e branco, bidimensional, unilateral. Enxerga grande e gordo o mundo. Colorido.
Chuta poça d`água em dia de sol.
Na ponta do pé pula pra pegar o céu.
Guarda o infinito numa caixa de música, fecha os olhos e é... Criança / Teatro.
Acabado o espetáculo levamos para casa um pouco de cada coisa vista, ouvida e sentida, mas, também, deixamos sentimentos no ator que jogou com o público e ele, certamente, mudará a si próprio dentro do camarim retirando a maquiagem e voltando a ser, humano.
Neste palco muitos pés cresceram; neste palco muitas lágrimas secaram – de ator e de platéia; neste palco o Teatro foi apresentado a muitos pela primeira vez; neste palco muitos fincaram raízes para serem brasileiros; neste palco, vieram e foram; neste palco, prazer e dor; neste palco, desejo de terra e céu; neste palco, pé; neste pé, no palco.

Texto: Otavio Linhares e Solange Faganello


PARABÉNS A TODOS OS FAZEDORES DE TEATRO, QUE DISSEMINAM A CULTURA E FAZEM DA SUA ARTE, SUA BANDEIRA!

3º SARAU DE TRÊS LAGOAS - PROGRAMAÇÃO

Saudações.

Segue em anexo e abaixo as apresentações que ocorrerão no 3.º SARAU CULTURAL DE TRÊS LAGOAS, a ser realizado neste Sábado, 26/03, as 20h, no Saguão da Antiga Prefeitura (em frente a praça Ramez Tebet).

Lemabramos que as pessoas que quiserem declamar ou recitar “poesias” ou “textos”, próprios ou de outros autores, poderão se inscrever no dia e local da concretização do evento, sendo apenas necessário que o (a) interessado (a) preencha a sua ficha de inscrição, anotando os seus dados pessoais e do respectivo texto a ser explanado.

Contamos com vossa presença e apoio na divulgação.

Att,

Leandro Pansonato Cazula

3.º SARAU CULTURAL DE TRÊS LAGOASDia 26 de Março de 2011. Sábado. Local: Saguão da Antiga Prefeitura de Três Lagoas
Apresentações de Textos e Poesias – Livre. Horário: 20 horas

NOME	CATEGORIA	APRESENTAÇÃO
Banda DIVIN Responsável: Sadir Avila Ornellas Jr.	Música	Apresentações das Músicas: “Meu Ser”; “Entre Mares”; “Por onde Vou” A Banda DIVIN é uma Banda Cristã. As músicas são de autoria do próprio grupo.
Élis Henrique Pereira de Souza e Fernanda	Música	Apresentações das Músicas: “Morada” da banda Forfun; “Do Alto Da Pedra” da banda Rosa de Saron
Grupo de Choro “Rui e Binha” Responsáveis: Rui e Chico Antunes	Música	Com a apresentação intitulada “Chorando em Três Lagoas” Grupo de Choro composto por Cavaquinho, Violão de 6 cordas, Violão de 7 cordas, Percussão (Timba e Pandeiro) e Voz.
Escola Livre Arte Musical Responsável: Rosa Belfort	Música	Apresentação em Piano Solo Seguintes Músicas: 7ª Valsa – Chopin; Na Corda da Viola – Villa Lobos; Medley Chamer Yesterday Till – Claydmann
Hélio Castelhano e Ricardo Brasil	Música	Apresentações de Músicas Instrumentais Com os instrumentos: Violão Erudito e Contrabaixo Acústico
João Wesley e Bola	Música	Apresentações de Músicas Instrumentais Utilizando os Instrumentos: Piano e Sopro
Orquestra de Câmara Responsável: Ricardo Brasil	Música	Apresentações de Músicas Eruditas Com os instrumentos: Baixo Acústico, Violino, Violon Celo, Viola de Arco
Cidinha Mariano e Convidados	Música	Apresentações de Músicas Regionais Com os instrumentos: Viola Caipira, Violão, Baixo Elétrico.
Núcleo Municipal de Dança Responsável: Thiago Ramalho Silva	Dança	Título da Apresentação: “Não Me Deixe” Apresentação solo de Modern Jazz da Música “Ne me quite pas” na voz de Maria Gadú.
Grupo de Teatro Identidade	Teatro	“Contação de Estória” – Com Nádia Stefan e Bruna Neto Apresentando o Texto “Pra se contar uma História” de Batista Filho e a Estória “Bom dia Todas as Cores” de Ruth Rocha.
Grupo de Teatro Identidade	Teatro	“Contação de Estória” – Com Bruna Neto e Tatiana Mizobe Apresentando “Ana e o Mar” da Canção  de Fernando Anitelli do Grupo “O TEATRO MÁGICO”
Os Pregadores Do Riso – Araçatuba/SP (Grupo Convidado) Responsável: Marcelo Messias De Souza	Teatro	Espetáculo: “Palhaços no Olho da Rua” 3- Partes “Inspirado na Comedia de resgate a gags tradicionais do circo, encenadas por palhaços há mais de 200 anos”
Grupo Municipal de Teatro e Circo Libertart Paulo Sanches	Teatro	Números de Palhaço - 3 Apresentações Apresentado os palhaços “Cai-cai & Culote”

GUIA DE CARREIRAS: TEATRO

Veja na animação abaixo algumas informações importantes e interessantes para quem faz ou pretende algum dia ingressar na área das artes cênicas:

CONVITE: LANÇAMENTO DO LIVRO "VOZES DO TEATRO"

APRESENTAÇÃO DO ESPETÁCULO INFANTIL "O ARCO-ÍRIS"

Sábado, dia 26/3, às 10h30 no Teatro de Arena do Horto Florestal de Campo Grande (MS)



SINOPSE - Numa nuvem branca onde o arco-íris reina, existe um grupo de seres que vivem em função das cores deste arco. Sua pacata vida é agitada pelo nascimento de um novo irmão, a sétima cor. Este acontecimento os faz lembrar de seu irmão desaparecido e também do perigoso monstro das nuvens negras que eles tem de enfrentar.


Onde estará este irmão desaparecido? Quem será este monstro das nuvens negras? Como será a nova cor?


O espetáculo ensina através de uma linguagem simples e não simplória sobre a natureza, sobre os males da mentira e sobre os valores familiares.


DIREÇÃO - Ewerton Goulart
FIGURINO E CENÁRIO - Alex Guedes


ELENCO (Em ordem alfabética)
AGENOR AGE - Eluá
DAYANE STÉPHANIE - Nãna
EWERTON GOULART - Link
LAYNE PAES - Lina
MARCELO BENITES - Raiã
MÁRIO FILHO - Mestre
NOHÊMYA ALMEIDA - Casé


Entrada Franca - Comemoração da Semana Nacional do Teatro. Compareça e convide seus amigos, vizinhos e parentes.

DIA MUNDIAL DO TEATRO - 27 DE MARÇO

Mensagem de Judi Dench pelo Dia Mundial do Teatro

A Jornada Mundial do Teatro é para nós a ocasião de celebrar o Teatro na multiplicidade de suas formas. Fonte de divertimento e inspiração, o teatro contém em si a capacidade de unificar as inúmeras populações e culturas que existem pelo mundo afora. Mas ele representa muito mais do que isso, ao oferecer-nos possibilidades de educação e informação.

O teatro acontece no mundo inteiro, e não apenas nos seus espaços tradicionais : os espetáculos podem ser realizados numa pequena aldeia da África, no sopé de uma montanha da Armênia, em uma pequena ilha do Pacífico. Tudo o que precisa é de um espaço e de um público alvo. O teatro possui esse dom de nos fazer rir, de nos fazer chorar, mas ele deve, também, fazer-nos refletir e reagir.

O teatro é fruto de um trabalho de equipe. São os atores que vemos, mas existe um número espantoso de pessoas escondidas, todas elas tão importantes quanto os primeiros e cujas diferentes e específicas competências permitem a realização do espetáculo. A eles se deve uma parte de todo o triunfo ou sucesso alcançado.

O dia 27 de março é a data oficial da Jornada Mundial do Teatro. Mas cada dia deveria poder ser considerado, de diversas maneiras, como uma jornada do teatro, pois cabe-nos a responsabilidade de perpetuar esta tradição de divertimento, de educação e de edificação dos públicos, sem os quais não poderíamos existir.

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Dame Judith Olivia Dench (North Yorkshire, 9 de dezembro de 1934) é uma atriz britânica nascida na Inglaterra vencedora do Oscar. Já ganhou muitos prêmios por suas atuações em teatro, televisão e cinema. Quando tinha treze anos, entrou para a The Mount School, em York. Hoje, é patronesse da Friends' School Saffron Walden.

Recebeu seu treinamento profissional no Central School of Speech and Drama em Londres, e estreou como Ophelia em Hamlet em Liverpool, em 1957, na Old Vic Company. Depois, foi aparecer em várias temporadas em Oxford e Nottingham. Em 1961, entrou para a Royal Shakespeare Company e fez muitas aparições em Stratford e Londres ao longo das próximas duas décadas, ganhando vários prêmios de melhor atriz.

Em 1995, Judi interpretou o papel de M (Chefe do MI6) na série de filmes James Bond, aparecendo nos seguintes filmes: GoldenEye (1995); Tomorrow Never Dies (1997); The World Is Not Enough (1999); Die Another Day (2002); Casino Royale (2006); Quantum of Solace (2008).

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DIA MUNDIAL DO TEATRO - 27 de Março

O Dia Mundial do Teatro, criado em 1961 pelo Instituto Internacional do Teatro, é celebrado todos o anos, a 27 de Março, pelos centros nacionais do Instituto Internacional do Teatro e pela comunidade teatral internacional. São organizadas numerosas manifestações teatrais nesta ocasião, sendo uma das mais importantes, a difusão da mensagem internacional, tradicionalmente redigida por uma personalidade do Teatro, de renome mundial, a convite do Instituto Internacional do Teatro.

O International Theatre Institute (ITI), uma organização não governamental, foi fundado em Praga no ano de 1948 pela UNESCO e pela comunidade internacional do teatro.

PROGRAMAÇÃO DA SEMANA NACIONAL DO TEATRO

WORKSHOP DE TEATRO DE OBJETOS NO PONTÃO GUAICURU

ATOR DE MS FAZ SUCESSO NA PEÇA “12 HOMENS E UMA SENTENÇA”

“Não se pode decidir a sentença de uma pessoa em 5 minutos.” (fala do personagem Jurado Nº 8)

Ganhador de prêmios como o “Festival Internacional de Berlim” e com três indicações ao “Oscar” em 1957, o filme “12 Homens e uma Sentença” ganha no Brasil uma versão teatral. E você pode ser um dos quatro sortudos a levar um par de ingressos Catraca Livre.

Agora no Teatro Imprensa em SP. A foto destaca Augusto Santos ator de Três Lagoas (MS), brilhante como os demais em "12 HOMENS E UMA SENTENÇA". A peça vem recebendo inúmeros prêmios. Pra quem se lembra de "O Corvo e as Flores do Mal", do Miguel Horta, de 1993, o Augusto interpretava Oscar Wilde.

O longa original do americano Sidney Lumet, reflete uma análise sobre a democracia. Análise tão densa e intrigante que fez, em 1997, o diretor também americano William Friedkin refilmar a história e ainda, mais tarde em 2008, ganhar a versão do russo Nikita Mikhalkov. Agora é a vez do brasileiro Eduardo Tolentino de Araújo transformar um espetáculo de cinema em um espetáculo de peça teatral.

A história se desenvolve da seguinte forma: um jovem é levado a julgamento com fortes suspeitas de ter assassinado o próprio pai. Cabe agora a 12 homens (júri popular) decidirem se ele recebe sentença de morte na cadeira elétrica ou se merece ter o caso repensado.

No teatro
A peça de Eduardo leva o Prêmio APCA 2010 de Melhor Espetáculo Teatral do ano, além de ser indicada ao Prêmio Shell de Melhor Direção (Eduardo Tolentino) e Melhor Ator (Norival Rizzo).

Para nos afligir mais, na versão brasileira o veredicto tem de ser unânime, ou seja, se os 12 homens decidirem que o jovem deve perder a vida, assim será.

É aqui que o jurado nº 8 (Norival Rizzo) prova o contrário. Ele é a voz dissonante que levanta questões para provar que o assunto merece ser discutido minuciosamente, levando em conta todos os motivos e equívocos de um caso de tribunal.

Trecho do filme de Lumet em que os jurados votam a favor da sentença de morte, exceto o jurado nº 8

TV ASSEMBLÉIA - ESPECIAL CULTURA

Reportagem especial da TV Cultura com Anita Amizo, atriz e diretora de Mato Grosso do Sul sobre sua carreira, teatro, oficinas culturais, entre outras coisas. Destaque para a oficina de teatro naturalista ministrado por Anita no Centro Cultural José Octávio Guizzo.


Aproveite e deixe seu comentário sobre a matéria.

PRINCIPAIS FORMAS E MOVIMENTOS TEATRAIS

Alegoria
Representação de um tema abstrato ou de temas através do uso simbólico de personagens, da ação e de outros elementos concretos de uma peça. Em sua forma mais direta – como a moralidade medieval – a alegoria utiliza o artifício da personificação, apresentando os personagens como representantes de qualidades abstratas tais como a virtude e os vícios, num tipo de ação que vise a uma lição moral ou intelectual. Formas menos diretas de alegoria podem aparecer disfarçadas de um modo relativamente realista. A peça de Arthur Miller As feiticeiras de Salém é um exemplo de alegoria, no caso, as investigações McCarthyanas nos Estados Unidos após a Segunda Guerra Mundial.

Avant-garde
Termo aplicado a peças de natureza experimental ou pouco ortodoxa, que procuram ir além dos padrões normalmente utilizados, tant em termos de conteúdo quanto em forma. Historicamente, o termo se aplica a um grande grupo de peças dos séculos XIX (final) e XX, e inclui diversos movimentos como o Expressionismo, o Surrealismo e o Teatro do Absurdo.

Comédia
Como uma das categorias mais antigas da dramaturgia ocidental, a comédia tem acolhido sob seu manto um grande número de diferentes sub-espécies. Embora seu raio de ação seja amplo, pode-se dizer de modo geral que as comédias são peças leves, voltadas para assuntos não-sérios. Têm sempre um final feliz e procuram em última análise divertir e fazer rir. Historicamente, no entanto, a comédia tem sofrido inúmeras alterações. A Comédia Antiga (Aristófanes) era farsesca, satírica e não-realista. Já as comédias da Renascença sofreram maior influência das comédias romanas. Ben Jonhson construiu suas “comédias de humor” de acordo com o modelo romano. Em suas peças, o ridículo é dirigido a personagens que são dominados até as raias da obsessão por determinados traços. A Comédia de Costumes tornou-se popular no final do século XVII, com o advento de Molière e dos escritores do período da Restauração inglesa. Refere-se basicamente a um meio social culto e sofisticado, fazendo uso de um diálogo espirituoso e mordaz e colocando os personagens ridiculamente preocupados com questões de refinamento social. O século XX tem visto uma expansão do território da comédia, bem como uma indefinição de seus limites com outros gêneros. Nas décadas finais do século XIX, Bernard Shaw utilizou-a para uma séria discussão de idéias, enquanto Tchecov escreveu obras interpretadas como sentimentais e tragicômicas. Desde então, os horizontes da comédia têm sido expandidos por escritores como Pirandello e Ionesco, cuja cômica visão do mundo é mais séria, pensativa e perturbadora que a encontrada na maioria das comédias tradicionais.

Commedia dell’arte
Uma forma de teatro cômico originária da Itália, século XVI, onde o diálogo era improvisado à volta de um cenário indefinido e levando à cena personagens típicos, cada qual com um nome tradicional e um traje distinto. Os mais famosos destes personagens são os bufões - sempre nos papéis de servos, dispunham de um bom número de truques, palhaçadas, trejeitos e acrobacias.

Drama da Restauração
Diz respeito à dramaturgia inglesa após a restauração da monarquia, de 1660 a 1700. Representadas para uma audiência constituída por aristocratas que frequentavam a corte do rei Charles II, as peças desse período consistiam em sua maior parte de tragédias heróicas em estilo neoclássico, ou então de comédias de costumes que refletiam uma visão bastante cínica da natureza humana.

Drama burguês
Também conhecido como drama doméstico, este gênero lida com problemas dos membros de classe baixa e média, particularmente com problemas familiares. Conflitos com a sociedade, brigas em família, esperanças malogradas e obstinadas determinações constituem as principais características do drama doméstico. Ele pretende colocar no palco o estilo de vida das pessoas comuns – sua linguagem, comportamento, modo de trajar etc. O drama doméstico surgiu na Europa no século XVIII, acompanhando o emergir das classes trabalhadoras e dos comerciantes. Pelo fato de proporcionar uma rápida identificação com o público médio, o gênero cresceu em popularidade nos séculos XIX e XX, permanecendo ainda hoje como uma das formas mais encenadas de teatro.

Drama heróico
Forma dramática séria, escrita em verso ou em prosa, que apresenta personagens heróicos ou nobres colocados em situações extremas ou envolvidos em aventuras inusitadas. Apesar das atribulações a que suas figuras centrais estão sujeitas, o drama heróico – ao contrário da tragédia – tem uma visão do mundo basicamente otimista. Possui quase sempre um final feliz, e no caso de o herói ou heroína sucumbirem ao final da peça, o que há é um final triunfante, onde essas mortes não são vistas de modo trágico. Peças de todos os períodos, tanto do Oriente como do Ocidente, enquadram-se nesta categoria. Durante o final do século XVII, na Inglaterra, peças desse tipo eram conhecidas como “tragédias heróicas”.

Drama medieval
Há escassas evidências com relação às atividades teatrais na Europa entre os séculos VI e X. Mas ao fim do século XV, vários tipos de drama se desenvolveram. O primeiro deles, conhecido como drama litúrgico, era cantado ou entoado em latim, como parte dos serviços litúrgicos. Peças com temas religiosas eram escritas também em linguagem comum e levadas à cena fora da igreja. As peças de Mistério (também chamadas “peças cíclicas”) baseavam-se em eventos tirados do Antigo e Novo Testamento. Muitas delas eram organizadas em ciclos históricos que contavam a história da humanidade, da criação ao Dia do Juízo Final. Eram bastante longas, levando até cinco dias para serem representadas, sendo fruto de um esforço da comunidade – participavam diversas corporações de artífices, que se responsabilizavam pelos diferentes segmentos do espetáculo. Outras formas de drama religioso eram as peças milagrosas, que lidavam com fatos da vida de algum santo, e as moralidades. A moralidade era uma peça didática e alegórica, relacionada a questões morais ou religiosas, sendo seu exemplo mais famoso Todomundo. O período medieval também produziu outros tipos de textos seculares. À exceção das peças folclóricas que falavam de heróis lendários como Robin Hood, por exemplo, essas peças eram em sua maioria farsescas e curtas.

Existencialismo
Um conjunto de idéias filosóficas cujo principal defensor era Jean-Paul Sartre - mas o termo existencialismo é também aplicado a peças de outros autores. A tese central de Sartre é de que não há mais valores ou modelos fixos pelos quais alguém possa viver e que cada indivíduo precisa criar o seu próprio código de conduta, sem levar em conta as convenções impostas pela sociedade. Apenas dessa maneira alguém pode verdadeiramente “existir” como um ser humano responsável e criativo; de outra forma este alguém não passará de um robô ou de um autômato. As peças de Sartre envolvem tipicamente pessoas às voltas com decisões que as conduzem à consciência da escolha entre viver a seu modo ou então deixar de existir como um indivíduo.

Expressionismo
Movimento que se desenvolveu e floresceu na Alemanha durante o período que imediatamente precedeu ou se seguiu à Primeira Guerra Mundial. O expressionismo no drama caracterizou-se por uma tentativa de dramatizar estados subjetivos através do uso de distorções, tons surpreendentes, imagens grotescas e diálogos líricos e não realistas. Foi um movimento revolucionário, tanto em termos de forma como em conteúdo, retratando as instituições sociais, particularmente a família burguesa, como grotesca, materialista e opressora. O herói expressionista era em geral um rebelde, contrário a esta visão mecanicista da sociedade. O conflito dramático cedeu lugar ao desenvolvimento de temas por meios de imagens visuais. Este movimento foi muito influente porque demonstrou que a imaginação dramática não tinha necessariamente de estar limitada às convenções teatrais e à fiel reprodução da realidade. Nos Estados Unidos, o expressionismo influenciou Elmer Rice (A máquina de somar) e muitas das primeiras peças de O’Neill. O objetivo básico do expressionismo era o de dar uma expressão a idéias e sentimentos, sendo as técnicas teatrais que adotaram este método chamadas de expressionistas.

Farsa
Um dos principais gêneros dramáticos visto às vezes como uma subclassificação da comédia. A farsa tem poucas – se é que tem – pretensões intelectuais. Seu objetivo é o de entreter e provocar risos. Seu humor reside basicamente em atividades físicas e efeitos visuais, cabendo à linguagem e aos ditos espirituosos um papel menor, mormente se comparado às formas superiores de comédias. Violência, movimentos rápidos e ritmo acelerado são características da farsa. Em geral, seus alvos preferidos são o casamento, a medicina, as leis e os negócios.

Happenings
Uma forma de evento teatral desenvolvida por artistas abstratos americanos nos anos 60. Gênero não-literário, onde em vez de enredo há um cenário e ambiente que, se supõe, oferecerá condições propícias ao evento. São representados quase sempre apenas uma vez e em lugares como parques e esquinas de ruas, com pálidas tentativas de separar a platéia e a ação. Enfatizando associações livres de sons e movimentos, procuram evitar ações lógicas de sentido racional.

Impressionismo
Estilo de pintura desenvolvido no final do século XIX que enfatizava as impressões imediatas projetadas pelos objetos, principalmente aquelas resultantes de variações nos efeitos de luz, tendendo a ignorar os detalhes. Sua influência no teatro deu-se basicamente na área ligada à cenografia, mas o termo impressionista é algumas vezes aplicado a peças como as de Tchecov, que se referiam a “impressões causadas” e exibiam técnicas indiretas.

Kabuki
A mais eclética manifestação do teatro japonês. Trata-se da forma mais popular, se comparada ao aristocrático drama Nô, e utiliza atores – no que difere do Bunraku, que trabalha com bonecos. É verdade que este gênero tomou emprestado inúmeros elementos dos outros dois. Papéis de ambos os sexos são representados por homens em um estilo artificial e não realista. O Kabuki combina música, danças e cenas dramáticas, sempre enfatizando o corpo e o movimento. As peças são longas e episódicas, compostas por séries de cenas frouxamente conectadas e que são inclusive frequentemente levadas à cena em separado.

Mascarada
Forma espetacular e luxuosa de divertimento teatral privado que se desenvolveu na Itália na Renascença e que rapidamente espalhou-se pelas cortes da França e da Inglaterra. Apresentada em geral uma única vez, a mascarada combinava poesia, música, figurinos elaborados e efeitos grandiosos de maquinaria de palco. Era uma espécie de evento social no qual membros da corte participavam como atores ou espectadores. Livremente construídas, as mascaradas giravam em torno de temas mitológicos ou alegóricos.

Melodrama
Historicamente, uma forma distinta de drama popular do século XIX. Enfatiza a ação e os efeitos espetaculares, empregando músicas para acentuar o clima dramático. O melodrama utiliza personagens típicos e claramente definidos como heróis ou vilões. De modo genérico, o termo é aplicado a qualquer drama que apresente uma óbvia confrontação entre o Bem e o Mal. A caracterização é frequentemente superficial e estereotipada, e como o conflito moral é externalizado, a ação e a violência aparecem sempre, culminando quase que invariavelmente com um final feliz, para demonstrar o triunfo do Bem.

Mímica
Performance na qual a ação ou a história é expressa através do uso de movimentos e gestos, sem palavras. Depende fundamentalmente da habilidade do mímico de criar ou sugerir o ambiente que o cerca através de reações físicas e expressividade de seu corpo.

Musicais
Vasta categoria que inclui a ópera, a comédia musical e outras peças musicais (o termo teatro lírico é às vezes utilizado quando se quer dintingui-lo de um espetáculo basicamente dançado). Na verdade inclui qualquer evento dramático no qual a música e a letra (e frequentemente a dança) constituam parte integral e necessária. Os vários tipos de teatro musical se interpõem e a melhor maneira de distingui-los é examinar suas diversas origens históricas, a qualidade da música e a variedade e o tipo de habilidades que se pede dos atores que os representam. A ópera é usualmente definida como um trabalho no qual todas as suas partes são cantadas. Constitui de fato uma tradição distinta e bem mais antiga do que a dos musicais modernos, de origem americana e relativamente recentes. O termo comédia musical nem mesmo é muito apropriado para descrever as peças musicais de hoje, que mesclam os mais variados componentes em sua estrutura, mas que, mesmo assim, serve para distingui-la claramente da ópera e de opereta.

Nô
Forma rigidamente tradicional do teatro japonês que data do século XIV. As peças Nô são dramas curtos que combinam música, dança e versos em uma apresentação altamente estilizada e estilística. Virtualmente, cada aspecto da produção – incluindo figurinos, máscaras e o simbólico cenário – já está prescrito pela tradição.

Novo teatro
1) Termo genérico que cobre as inovações feitas no teatro desde 1960 por grupos como o Laboratório de Teatro de Grotowski, o Open Theater e o Living Theater. Talvez a mais importante declaração de princípios desse movimento possa ser encontrada na obra de Jerzy Grotowski Em busca de um teatro pobre. A despeito das diferenças entre os grupos, linhas comuns podem ser encontradas, principalmente no que toca às exigências de um teatro sério, espiritual, e que seja uma experiência tanto para os atores como para os espectadores. Procuram eles eliminar tudo que seja supérfluo e frívolo no teatro. Tendem a enfatizar a importância do que há de ritual no teatro, a necessidade de uma intensa dedicação de um pequeno grupo fechado de atores trabalhando juntos por um longo tempo e a busca de uma ligação íntima entre palco e platéia.

2) O termo também é utilizável para se referir a um novo conceito de encenação para proveniente da primeira metade do século. Este movimento influenciou basicamente os aspectos visuais do espetáculo. Entre os seus mais famosos proponentes estão Gordon Craig, Adolphe Appia, Robert Edmond Jones, Norman Bel Gueddes e Lee Simonson. Procurava-se enfatizar o uso criativo da luz e da cor em detrimento de uma representação realista. Muitas das inovações trazidas por este grupo tornaram-se práticas comuns no teatro de hoje.

Pantomima
Originalmente, um entretenimento romano no qual a narração (cantada) cabia ao coro, enquanto a ação era representada sob forma de danças. Atualmente o termo aplica-se a qualquer tipo de apresentação que utilize primordialmente danças, gestos e movimentos físicos (veja Mímica).

Paródia
Imitação jocosa de uma forma dramática ou de uma peça específica. Intimamente relacionada à sátira, não possui no entanto os propósitos morais e intelectuais desta, limitando-se a zombar dos excessos de outras obras.

Peça de idéias
Peças cujo foco principal reside em um tratamento sério de questões sociais, morais ou filosóficas. Uma variante deste tipo de peça é a chamada “peça de problemas”, melhor exemplificada pelos trabalhos de Ibsen e Shaw, nos quais os vários aspectos de uma questão são dramatizados e discutidos. Outra variante a ser distinguida é a “peça de tese”, uma representação mais unilateral de um problema, onde em geral há um personagem que resume a “lição” da peça e representa a voz do autor.

Peças históricas
Em um sentido mais amplo, trata-se de peças referidas a acontecimentos históricos ou ligadas a personagens históricos. Mais especificamente, no entanto, o termo é aplicado a peças que falam de problemas vitais ligados ao bem-estar público, num tom nacionalista. A forma originou-se na Inglaterra elizabetana, que produziu mais peças históricas do que qualquer outro país, em qualquer tempo. Baseadas em um conceito religioso da História, foram profundamente influenciadas pela estrutura das peças de moralidade. Shakespeare foi o maior escritor elizabetano de peças históricas. Seu estilo influenciou inúmeros escritores desse gênero, notadamente o sueco Strindberg.

Realismo e Naturalismo
Em um sentido genérico, o realismo consiste simplesmente na tentativa de retratar da maneira mais direta e verdadeira possíveis fatos da vida contemporânea. Na prática, no entanto, a visão que o autor tem da realidade nunca é completamente objetiva. A diferença entre os escritores naturalistas e realistas provém basicamente de suas atitudes para com a natureza do homem e da sociedade. Embora ambas as escolas estejam voltadas para a prática de mudanças sociais, observa-se que os realistas são mais otimistas com relação às possibilidades do homem aprender e se modificar. Já os naturalistas – encarando os homens como basicamente egoístas e como um fruto amoral resultante das forças do meio e hereditárias – preferem retratar as brutalizadas classes inferiores, nas quais tais forças podem ser mais claramente apontadas. Os realistas costumam ambientar suas peças na razoável atmosfera das salas-de-estar da classe média. Em outro nível, pode-se dizer também que o naturalismo é simplesmente uma forma mais exata e detalhada de realismo.

Romantismo
Movimento literário e dramático do século XIX que se desenvolveu como uma reação à austeridade confinante do neoclassicismo. Procurando imitar a estrutura vaga e episódica das peças de Shakespeare, os românticos aspiravam libertar-se de todas as regras atendendo apenas às solicitações de uma inspiração livre do gênio artístico, verdadeira fonte de toda a criatividade. De um modo geral, enfatizavam mais climas e atmosferas do que o conteúdo em si, e um de seus temas prediletos era o abismo existente entre as aspirações espirituais do ser humano e suas limitações físicas.

Sátira
Gênero que utiliza técnicas de comédia, como a ironia, o humor e o exagero, para expor criticamente certas situações. A sátira pode atacar figuras públicas específicas ou então apontar traços mais gerais do comportamento humano. Assim, Tartufo, de Molière, ridiculariza a hipocrisia religiosa, Arms and the man, de Shaw, ataca a glorificação romântica da guerra e The importance of being earnest, de Wilde, visa a classe alta inglesa.

Simbolismo
Muito ligado à poesia simbolista, o teatro simbólico foi um movimento do final do século XIX e do início do século XX que basicamente almejou substituir a representação realista por outra forma que pudesse expressar uma verdade mais interior. Procurando restabelecer o significado espiritual e religioso do teatro, o simbolismo utilizou-se de mitos, lendas e símbolos, tentando assim transcender a realidade do cotidiano. As peças de Maurice Maeterlinck são exemplos bem conhecidos deste movimento.

Surrealismo
Um movimento que se propôs a atacar o formalismo nas artes, tendo-se desenvolvido na Europa após a Primeira Guerra Mundial. Buscando uma realidade mais profunda do que aquela captada pela mente racional e consciente, os surrealistas abandonaram a ação realista em prol de uma lógica onírica, obtida através de certas técnicas como a da escrita automática e a associação livre de idéias. Embora poucas peças escritas pelos surrealistas tenham alcançado uma grande expressão, o movimento teve grande influência no teatro de vanguarda, notadamente no Teatro do Absurdo e no Teatro da Crueldade.

Teatro da Crueldade
Conceito visionário de Antonin Artaud de um teatro baseado em magias e mitos, e que viesse liberar os profundos, violentos e eróticos impulsos humanos. Artaud desejava revelar aquilo que ele via como “a crueldade que há por trás de todas as ações humanas” – além da universalidade do mal e da violência da sexualidade. Para tanto, seria necessário uma mudança radical do espaço cênico, uma integração entre palco e platéia e a utilização total do poder afetivo da luz, da cor, do movimento e da linguagem. Embora Artaud tenha obtido pouco sucesso na tentativa de impor suas teorias, a verdade é que suas idéias acabaram por ter grande influência sobre escritores e diretores, particularmente Peter Brook, Jean-Louis Barrault e Jerzy Grotowski.

Teatro de rua
Termo genérico que se aplica ao trabalho de um grande número de grupos que se propõe a representar ao ar livre, procurando abordar os problemas vividos por uma comunidade específica ou mesmo por uma vizinhança e suas necessidades. Seu surgimento data dos anos 60, em parte devido a questões ligadas à inquietação social, e também em função da necessidade de um teatro que pudesse falar de problemas específicos, vivenciados por determinadas comunidades.

Teatro do Absurdo
Título utilizado primeiramente por Martin Esslin para descrever certas peças dos anos 50 e 60 que expressavam um ponto de vista similar, no tocante a certos aspectos absurdos da condição humana. Essas peças eram dramatizações que versavam sobre o senso do absurdo e a futilidade da existência. A linguagem racional foi abandonada e substituída por clichês e falas banais. Em lugar da ação lógica, surgiu uma atividade repetitiva e sem sentido. Motivações psicológicas, realistas, deram lugar a comportamentos automáticos, frequentemente absurdos e inapropriados dentro de uma determinada situação. Embora digam respeito a assuntos sérios, o tom de representação dessas peças, em geral, adquire uma conotação cômica e irônica. Beckett e Ionesco são os mais conhecidos autores do teatro do absurdo.

Teatro épico
Forma de representação que se tornou associada ao nome de Bertolt Brecht, seu principal teórico e defensor. Objetiva alcançar mais ao intelecto do que às emoções, procurando apresentar evidências relacionadas a questões sociais, de modo tal que possam ser objetivamente consideradas e que uma conclusão inteligente delas se depreenda. Brecht sentia que o envolvimento emocional da audiência bloqueava essa intenção, e para tanto criou vários artifícios que, através de uma “alienação” da emoção, desligavam a platéia, em termos emocionais, do que se passasse no palco. Suas peças eram episódicas, com canções narrativas separando os segmentos e grandes cartazes anunciando as cenas.

Teatro pobre
Termo cunhado por Jerzy Grotowski para descrever o seu ideal de teatro, despido até o essencial. Cenários profusos e luxuosos, luzes e figurinos usualmente associados ao teatro são para Grotowski um mero reflexo de valores materialistas, a serem eliminados. Se o teatro deve se tornar rico espiritual e esteticamente, há uma necessidade primeira de “empobrecimento” de tudo aquilo que possa interferir no verdadeiro relacionamento entre ator e platéia.

Tragédia
Uma das formas dramáticas básicas do teatro ocidental, a tragédia envolve uma ação séria de significado universal e possui importantes implicações morais e filosóficas. Seguindo Aristóteles, muitos críticos concordam com a idéia de que o herói trágico deve ser em essência uma pessoa admirável, cuja queda estimule nossa simpatia e nos deixe com a sensação de que de alguma maneira o que houve foi o triunfo da moral e da ordem cósmica, triunfo este que transcende o destino de um indivíduo. O final desastroso de uma tragédia deveria ser visto como o resultado inevitável da situação vivida pelo personagem, devido a forças que estariam além da sua possibilidade de controle. Tradicionalmente, a tragédia versava sobre a vida e a sorte de reis e nobres, e de fato tem havido considerável controvérsia sobre a possibilidade de haver uma tragédia moderna – vivida por pessoas comuns. E mesmo aqueles que concordam com essa possibilidade reconhecem que esta forma moderna seria forçosamente diferente do conceito tradicional de tragédia.

Tragicomédia
Durante a Renascença, empregava-se o termo quando se queria referir as certas peças que continham temas trágicos vividos por nobres personagens, mas que terminavam com um “happy end”. Já a moderna tragicomédia combina elementos sérios e cômicos. Em geral, essas peças abordam um tema sério, tratado de forma cômica e irônica. De fato, a tragicomédia vem se tornando uma das formas preferidas entre os dramaturgos “sérios”. Algumas vezes certas situações e comportamentos cômicos têm consequências trágicas – como em A visita da velha senhora, de Dürremnmatt. Outras vezes, o final é indeterminado e ambivalente – como em Esperando Godot, de Beckett. Na maioria dos casos, o desespero aparece porque o seres humanos são vistos como incapazes de se levantarem acima das circunstâncias naturais; o fato de a situação que os envolve ser ridícula apenas torna o seu sofrimento mais tenebroso.

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Artigo foi extraído de The theater experience, de E. Wilson 
(McGraw-Hill Comp., 1976).